看不懂当代艺术「看不懂的艺术品」

大家好，看不懂当代艺术「看不懂的艺术品」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

我内心紧张地站到吃一个现代艺术作品面前，

一脸懵B，

生怕别人发现我根本没有看懂它们。

凭什么一堆罐头是艺术？

凭什么几个色块能拍卖到5.4亿人民币？

这是我内心最真实的想法，

之所以没有表达，

是因为觉得自己既然不太明白，

就要保持尊重。

但评论区从来不缺乏直抒胸臆的网友：

这也算画画？

和我儿子画得差不多。

这种评论让人无语，

但也有其原因，

因为艺术似乎倾向于将自己锁在高塔，

从不轻易解释自己。

就算解释，

也总伴随着晦涩的词语和兜圈子的描述。

就好像在聊天时遇到一个高冷的人，

这时候明智的做法是保持礼貌距离，

熟练挂上笑容，

聊聊天气，称赞一句：

“你今天的衣服真好看！”

但老黑就是脸皮黑厚，

偏要试着和这位高傲的朋友聊一聊，

看看他到底是不屑交谈，

还是不敢交谈。

要理解现代艺术为什么难懂，

先要了解什么是艺术。

什么是艺术？

给这种感性经验的综合下定义注定是片面的。

但对它描述可以是精确的，

亚里士多德说，

艺术发源于造型的冲动和感情表达的渴望。

此后两千多年间，

大多数人都认可：

艺术是关于形式美和情感表达的。

这样说也许有点朦胧，

但只要念出典型的艺术类别：

文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、戏剧、建筑、电影。

根据生活经验，

你就会发现它们都有形式的美感，

而且都有情感的传递。

例如古典派绘画，注重形式美。

当时的画家基本上是画命题作文，

表达的情感是甲方的情感，

但我们会说：“这是艺术。”

后印象派绘画，注重情感表达。

他们不追求对事物的精确描写，

把自己画得丑一点无所谓，

关键是要感情到位。

我们也会说：“这是艺术。”

感性线上的优秀作品，

可以称为艺术。

话说回来，

人类不是简简单单的感性生物，

我们的理性和感性始终在交织。

理性思考有两个大方向，

其一是科学，特点是分析式的描述。

其二是哲学，特点是综合式的诠释。

曾经有人问毕加索：“什么是艺术？”

毕加索的回答是：“什么不是艺术？”

我们可以说：

科学不是艺术，

哲学不是艺术。

当理性多于感性，

当色彩和形状被公式和原理取代，

我们就会说：

这不是艺术，这是科学或者哲学。

如果我们考虑得完整一点，

不仅把艺术看作形式美和情感表达，

而是把创作中的理性也加入进去，

艺术就是这样一条道路，

它的中心线是感性的，

在哲学和科学间摇摆。

可以说，

后印象派之前的绘画艺术，

基本上都在这条路上，

他们并没有偏离感性中心线太多，

直接作用于情感，

因此一看就懂。

那为什么现代艺术越来越难懂了呢？

因为天才们不会满足于重复前人的足迹，

从内部来看，

窄窄的艺术之路上已经遍布了纪念碑，

没有太多空间了。

后来的天才必须突围，

才能做出“前无古人”的工作。

从外部来看，

绘画艺术面临一个巨大的挑战——摄影。

19世纪70年代左右摄影广泛传播，

让具象化的绘画在某种程度上受到打击，

在此之后印象派、后印象派逐渐兴盛，

点彩派、野兽派、达达派、立体派、超现实等主义跟随其后。

站在我们后人的角度看，

很难说绘画的变化没有摄影的影响，

这么多运动的目的，

是希望在具象表达之外，

将绘画重新定性为艺术。

和“要致富，先修路”思路类似的，

艺术突围大体战略就是：把路修宽。

既然以感性为中心线的艺术道路上前辈众多，

最彻底的解决方案就是：往理性去偏移。

刚才我们说过，

理性思考有两个大的方向，

科学和哲学。

科学的特点是分析式的描述，

常做的是解构性的实验。

毕加索曾说：

我在14岁就能画得和拉斐尔一样好。

我们来看看他在14岁的画，

确实画得很好。

后来怎么就变成些不明所以的形状了呢？

如果把科学解构性实验的思想引入过来，

再配合毕加索的画派名称——“立体派”，

就能更好地理解这些变化。

毕加索从多个角度来描绘对象，

然后将它们整合到一个画面中，

以此表现对象最准确的形象。

我来类比一个问题，

有一根试管，

俯视角度、仰视角度读数不一样，

只有整合了才是准确数值。

是不是有点科学的味道。

在他56岁的反战作品《格尔尼卡》中，

我们更能体会到立体派超越现实表现出的痛苦和厌恶。

从立体派再往下走，

有一条路叫风格派，

代表人物叫做蒙德里安。

这是我特别喜欢的一份作品，

家里客厅挂的就是这幅画。

沿着刚才科学解构的思路，

你会发现这幅画探讨的也是明确的客观，

把眼睛得到的画面分解分解再分解，

只保留了原色、直线和节奏感，

然后试图通过排列组合，

搞懂这些绘画中的“分子”到底是怎样实现和谐搭配的。

要做到这点非常不容易，

你可以去尝试一下，

既要有对色彩重量和节奏的艺术敏感，

又要有对排列组合的权衡和挑剔。

这在我心目中，

就是带有科学色彩的艺术。

再说往哲学偏移的艺术，

哲学的特点是综合性诠释，

常做的是对理念的挖掘，

然后以概念、规则或理想的形式呈现出来。

20世纪70年代，

安迪·沃霍尔曾经说：

“未来，每个人都能当15分钟的名人。”

他本人也是20世纪最有名的艺术家之一。

但你知道吗？

安迪·沃霍尔（Warhol）甚至不是他的真名，

他的真名叫Warhola，

之所以变成了沃霍尔（Warhol），

是因为他在做插画师的时候，

杂志在一次刊载中将他的名字少打了一个字母，

反而变得简单上口了，

这个名字就这样被叫了下来。

和他的”15分钟名人“言论结合起来，

我感觉到一种讽刺，

在商业社会成名的，

真的是一个人本身吗？

还是作为大众想象中的商品呢？

这幅《金宝汤罐头》是安迪·沃霍尔的名作，

作品里32块帆布上画了32个罐头。

这不就是1个罐头复制粘贴31次吗？

但如果我们尝试抽取其中的理念，

会有一些妙处，妙在：

1、金宝汤罐头是当时风靡全美的商品，类比我们的方便面；

2、看起来复制粘贴的32个罐头，细看每个口味都不一样。

有没有一点隐喻的感觉出来了？

这幅画，画的好像不是罐头，

而是身处商业社会中的我们，

我们每个人都是不同的，

但是在人群中根本没有人会注意到这一点点不同，

我们不过是一样的罐头罢了。

再回到文章开头罗斯科的这幅画《橙、红、黄》，

罗斯科本人其实对他的作品有清晰的阐述：

“我对色彩与形式的关系以及其他的关系并没有兴趣，

我只对如何表现人类最基本的情感感兴趣。”

我是这么理解他这句话的：

别跟我扯什么色彩和形式的搭配，

色彩对心理如何影响等等，

虽然这些是也许真正的作用机理，

但是太具体了就没意思了，

这是蒙德里安干的事。

我只想找到色彩表现情感的开关，

就这么一个开关，

用单纯的抽象视觉引发观众感受。

抽象表现主义，

抽象这个词本身就带有提取内核的含义，

艺术家会强调你不要思考，

只需要直接去感受，

但是既然你长得那么特殊，

观众自然就会问：

你到底是什么？

你从哪里来？

要到哪里去？

与其说艺术家在追求纯粹视觉，

我觉得更像一种综合提炼，

像理想国一样的激情探寻。

只是没有办法用语言表达。

虽然注定不会完美，

但是展现出的乌托邦自然有它的美感。

现代艺术的高傲也许来源于它天生的性格。

真正接触之后，

可能还蛮有意思的。

当你看见一件艺术品，

觉得这是什么鬼的时候。

可以尝试先去抓取它的形式美和感情表达，

再看看它是不是分析了什么东西，

诠释了什么理念。

以上是我自己的一些体会，

当想到这些之后，

突然有了一种豁然开朗的感觉，

因此画出来给你看。

但里面必然包含着个人的知识盲点和偏见，

请一定谨慎阅读。

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